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　　正因如此，这次 AYE 画廊呈现的植物作品，并不是对早期《美人蕉》的简单重复或变奏。蔡锦谈到，她近年来对植物的再次关注，更多来自于绘画状态本身的变化——色调在变，节奏在变，身体对画布的反应也在变。如果你仔细观察这些新作，会发现色调发生了显著的迁移。从早年的“满眼皆红”，到近十年来，绿色、灰色、黄色甚至更多元的色彩开始占据画面。蔡锦说这种变化并非刻意的主题转换，甚至她自己都不清楚确切的原因，可能是搬到李桥工作室后周遭树林的影响，也可能就是不同时期心境的自然折射。这种色彩从热烈到沉着、从单一到丰富的演变，映射出的是艺术家生命节奏的变迁。植物，在这里成为一种最直接、也最不需要被解释的载体，让绘画回到了感知层面，回到了一个更加广阔、更加自由的春天。

　　这种笨拙的坚持，在当下反而显出一种珍贵的格调。蔡锦自称是一个“想思考也思考不起来”的人，甚至有些羡慕那些思维缜密的策展人。她只想“把眼前的做好”，这种朴素的创作观，却支撑了她三十余年的持续产出。更有趣的是，她的许多艺术实践并非出于宏大的战略规划，而是源于随缘。例如她在天津美术学院设立的“蔡锦奖学金”，仅仅是因为当年怀孕滞留美国，觉得自己不能上课对学校有亏欠，便想用那点钱做点弥补，谁知这一做就是十七年；又如她在 798 的“蔡锦空间”，起因竟是因为画室突然要拆迁，学生帮忙找了临时落脚处，朋友们坐在一起聊着“不如做点活动”，便自然而然地开始了。这种“没有太多思考”的起步，反而成就了她在体制之外最具生命力的艺术社区。